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La memoria no guarda películas, guarda fotografías
Milan Kundera

Tanto en el cine como en nuestra vida diaria, el arte de la fotografía siempre ha sido esencial e importantísimo. De la misma manera que cuando viajamos, estamos con amigos, queremos divertirnos haciendo fotos o queremos recordar algún hecho, realizamos fotografías para inmortalizar el momento en nuestra cabeza y plasmarlo en imagen.
Qué mejor placer que ver una fantástica puesta de sol llena de colores y contrastes.
Con el cine nos ocurre lo mismo. Gracias a la magia de algunas imágenes que vemos en la pantalla, nos quedan en la retina y podemos recordar diferentes escenas de películas con las que hemos disfrutado.
Los directores de fotografía hacen auténticas maravillas con las imágenes, y nos muestran paisajes, escenas cotidianas, luces, colores o sombras de maneras increíbles, que convierten una buena película en algo más.

Por desgracia, algunas veces, son los grandes olvidados. Pero, que seria de Terrence Malick sin un director de fotografía como Emmanuel Lubezki, o Clint Eastwood sin Jack N.Green, e incluso el genial Stanley Kubrick sin John Alcott.
Estos geniales artistas tienen un papel importantísimo en el cine. Es difícil entender una película sin una buena iluminación detrás, para crear una atmósfera contextualizada con la época y el momento del filme.

Os queremos recordar algunos de los mejores directores de fotografía de cine, que gracias a su arte han complementado grandes películas con su perfecta manera de captar imágenes.
Colores, luces, sombras y tinieblas es de lo que está hecho el cine.

Billy Bitzer: Considerado el primer director de fotografía, tuvo junto al director David W.Griffith una larga participación en películas. Cintas como “El nacimiento de una nación” (1914) o “Judith of Bethulia”, donde juega con contraluces y una iluminación difusa, consigue una poética visual, en unos años en que la fotografía en blanco y negro, tenia una gran importancia en películas mudas.

judith of bethulia

Nestor Almendros: Realizando sus mejores trabajos en Francia, con la Nouvelle Bague. Ganándose el respeto con cintas como “La historia de Adéle” (1975), pasó a Estados Unidos para realizar filmes como “Kramer contra Kramer” (1981) o “Días del Cielo” (1978) con Terrence Malick. Fotógrafo que le da mucha importancia a la luz natural y a los paisajes abiertos.

la historia de adele

Vittorio Storaro: Quién no recuerda el dolor o la locura reflejada en la cara de Martin Sheen en “Apocalipsis Now” (1979) ? El creador de estas sobrecogedoras imágenes es este director de fotografía creador de otros fantásticos trabajos como “El último emperador” (1987) o “Dick Tracy” (1990). Ganador de 3 Premios Oscar (Apocalipsis Now, Rojos, El último emperador)

Vittorio Storaro - Apocalispsis Now

Roger Deakins: Habitual con los Hermanos Cohen, Deakins realiza un trabajo genuino con el uso de color sin artificios, natural. Se defiende igual de bien con el color, como con el blanco y negro. Suyas son imágenes tan sutiles como las que podemos ver en “El hombre que nunca estuvo allí” (2001) o las impactantes escenas gélidas de “Fargo” (1996)

Fargo

Gordon Willis: Los contraluces, la tendencia a la subexposición y el absoluto domino de la fotografía en blanco y negro son algunos de los rasgos de su reconocible estilo. Suya es la fotografía de una de las grandes trilogías del cine, “El padrino”. Y algunas de las geniales imágenes que nos ha creado en blanco y negro las podemos ver en las tinieblas de “Manhattan” (1979), donde crea una impresionante atmósfera de la ciudad. Por algo le llaman “El príncipe de las sombras”. Ganador de un OScar a toda su carrera.

Manhattan

Christopher Doyle: Habitual en trabajos llegados de oriente, colaborador de Wong-Kar Wai o Zhang Yimou, con cintas como “Ashes of time” (1994) o “Hero” (2002) nos llena la pantalla de unos fantásticos colores y contrastes cromáticos.

ashes_of_time

Gregg Toland: Innovador tecnológico, realizó un trabajo muy potente con “Ciudadano Kane” (1941) con aperturas de lente, cargada de sombras y luces increíbles.

Gregg Toland

John Toll: Creador de fantásticos paisajes en cintas como “Braveheart” (1995) o “La delgada línea roja” (1998), donde uno puede sumergirse en la naturaleza que nos muestra con cielos infinitos, paisajes llenos de color y vida.

the thin red line

Ron Fricke: Conocido por su cinta “Baraka” (1992), donde cada fotograma sin voz, está lleno de una gran fotografía.

baraka

José Luís Alcaine: Uno de los grandes del cine español. Ganador de 5 premios Goya, fue el primero en utilizar la luz de tubos fluorescentes como luz principal. Podemos ver sus trabajos en “Volver” (2006) o “Belle Époque” (2002)

volver

John Alcott: Recordado por sus colaboraciones con Stanley Kubrick, podemos contemplar su belleza en escenas de películas como “Barry Lyndon” (1975), donde ilumina buena parte de las tomas utilizando velas, con una gran influencia de pinturas de época para crear estas imágenes. Ganador de un Premio Oscar (Barry Lyndon)

Barry-Lyndon-Berenson-2

Sven Nykvist: Realizó 17 trabajos junto a Ingmar Bergman, con quien apuesta por una iluminación natural, sobria y sin artificios que la alteren. Uno de sus grandes trabajos “Persona” (1966). Fiel a su estilo naturalista muy austero en proyectores, produce imágenes de gran belleza. Ganador de dos Premios Oscar. (Cries and whispers y Fanny and Alexander)

Persona

Jack N.Green: Fijo colaborador de Clint Eastwood, recrea paisajes con colores naturales y nos deja imágenes tan poéticas como las puestas de sol de “Sin perdón” (1992) o luces como las de “Los puentes de Madison County” (1995)

Unforgiven

Janusz kaminski: Desde que fichó para Spielberg, ha conseguido realizar unos impresionantes trabajos como los que vemos en filmes de la talla de “La lista de Schindler” (1993) o “Munich” (2005). Kaminski lo domina casi todo, luces, sombras, luz natural e interior. Ganador de 2 Premios Oscar (La lista de Schindler y Salvar al Soldado Ryan)

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(A una gran amiga amante de la fotografía y el cine)

 

SALVA VILA

findelahistoria